接續上一堂課，首先家齊老師分享了劇評的架構，共有四個要素——描寫、好看的地方、不好的地方、自己的觀點。

由描寫入手，讓讀者能進入作品內容中；再來先寫一些好的，大家都喜歡被稱讚，看似簡單但東方人不擅長稱讚他人，看完戲，不能只說好看或不好看，而是要講出為什麼好看或不好看，養成習慣看完戲寫出三個好看與三個不好看的部分，不一定要到寫評論而是培養鑑賞的能力。這齣戲之於你，成功或失敗的地方為何？作者的觀點，很重要，回扣到你是誰？為何寫劇評？寫給誰看？是自身透過作品與外界的連結，也是劇評重要的存在意義。其中每個人關心的、看到的都不同，反映出不同的觀點。

老師把看似複雜的劇評寫作化繁為簡，以四個要素的架構，讓下筆書寫變得觸手可及，

描寫：

描寫是很重要的一部分，大家都會想要寫很多，或是為了把看到的都記錄上去，就變得雜亂無章，從描寫下手是最能迅速開啟寫作的第一步，只要開始打第一個字時，就會有如神助。

另外老師建議剛開始劇評寫作的新手們，在初次看到沒有使用過的戲劇手法時可能會覺得新穎，眼睛為之一亮，但或許這些是早已存在只是自己不知道而已，這也是為何評論人是老得好，而該怎麼彌補經驗與見識的不足，除了多看戲外，針對想評論的團隊或領域，找到已經關注許久的專家，跟著他看戲，再來就是找資料。這也是為何老師一開始先讓我們閱讀評論，因為這也是重要的資料來源之一。

而評論只評作品不評人，當要寫到劇中的演員，通常都以角色的名字代稱，或是在角色名稱後以括號標註演員姓名，如：（XXX飾）。或是直接稱讚燈光設計並同樣以括號標註姓名，避免對人有直接的人身攻擊，將人與作品的區隔開來。這是在書寫中需要被注意到的。

此時有學員提問：如果今天演出是沒有明確角色的狀態，要如何去描寫呢？

老師回答：就以表演者或演員等職稱代稱，這種問題可能較多發生在舞蹈評論，可以第幾段落的主舞者，或是獨舞舞者等後面括號舞者姓名來處理。若是很多演員且皆沒有明確角色的情況，可以以自己的方式標註，只要確保讀者能看得懂就沒問題。

美英老師補充，雖然角色可能沒有名稱，但皆會有他們的角色任務可以方便我們辨別。

如何下筆：白描——直接描述，但演出內容若全部完整描寫會過多，到底哪些是需要寫出來的呢？老師提出「戲劇動作」，指推動劇情的軸線：角色的行動（語言）是推動故事情節發展的開鍵，它會帶來改變並產生衝突，導致最終的結果。戲劇動作除了衝突外應該還要有轉折，通常是戲劇的高潮點。除了白描之外，試著寫出戲劇的故事線，這是劇評必須做到，也需要練習的。在此老師讓大家在一百字以內寫出《父親母親》是什麼樣的故事。接著同學們便依次分享後，老師詢問沒有看過演出的同學聽到了什麼，讓大家瞭解自己有哪些地方可能遺漏，雖然每位學員都有描述出故事的主線，卻忽略了副線的重要事件以及戲的轉折。提醒我們在一開始的白描過後也需回過頭檢視自己的描寫有無疏漏的部分，讓戲劇的故事線能更完整的被呈現。透過剛剛學員們的回答不同，也顯現出每個人觀察及關注的重點皆有所差異，並連結到之後帶出的觀點也是因人而異的。第一段的描寫作為根基，為整篇劇評的觀點打下基礎。在觀演的過程中因為注意力需要分散觀察演出的不同部分，所以對戲的感想可能會較模糊，透過重新檢視劇情架構，可以幫助自身了解這個戲好看或不好看。

三好三壞：

三好三壞，是評論入手的功課，養成演出後問自己三個問題的習慣，這些便會成為三、四段的骨架。其中，老師建議先寫好的再寫壞的。

自己的觀點：

在沉澱過後，寫出自己的觀點。文章裡也需要翻轉，方能形成文章的文氣。

回去讀劇評用此架構分析就會發現好的劇評大多皆是如此。但同時，有很多的劇評只談到這些，尤其是劇本，剛剛談論的都是關乎於編劇上，早年是重視演員的年代、再來是劇本、導演、現代則是製作。一篇劇評很常會淪為劇本的評論，頂多加上評論人喜歡的導演手法、主義等。然，一個劇場有這麼多的元素，能討論的部分很多，尤其現在越來越多演出不是架構在劇本或演員之上。如果還是照這個方式寫，碰到其他類型的演出可能就會不小心遺漏其中核心的部分。因此劇評應該同時談論更多不同元素，例如：演員的表現、各設計、空間安排等。然而，對於新手來說無法同時兼顧時該怎麼辦呢？去檢視這些元素存在的必要性，各種設計和安排是否都與劇中想要表達的相互關聯，有存在於舞臺上的必要性。這也不一定要寫在評論當中，但卻是培養觀賞演出的眼光與思維。

你的觀點？非個人化心得感想？

評論人的十項專業守則中的第七項提到：評論人應盡可能準確具體地描述、分析和評價作品，並以實例來支持他們自己的論點。什麼叫做心得？觀點？劇評？其中就分別包括剛剛提到的「描述」、「分析」、「評價」、「論點」。評論與心得最大的差別正是「以實例支持自己的論點」。在劇場中做筆記，很大一部分也是在記錄這些讓自己感動的、重要轉折點的臺詞及動作等可以支持自己論述的實例。另外老師也會記錄時間，以時間去區分演出的開始、事件發生等，每一幕各別經過多少時間，以此看出構成戲劇不同段落的分量及架構如何，也是對於故事線的記錄。

接下來老師更近一步提醒寫作時應該注意的細節與寫作技巧。

字數&段落安排：

文章結構就如剛剛所講，但如果所有評論都是同一個結構會很無聊，因此老師在此介紹的是一個基礎模式，自己可以再去調配。例如昨天讀到的評論，也些是將好的壞的穿插作品描述，依照演出時序書寫等。利用這個簡單的結構，能更容易把自己的論點帶出來，形成一個軌道。另外字數也是需要去注意的，如果是正評那好的敘述要字數多於負的，這也是為何上一堂課大家在判斷一篇評論是正評負評時會誤判的原因，因為原是負評的文章，正面敘述的字數大幅多於負面的。每個段落如何分段、書寫，可以參考交響樂。為了不被AI取代，可以去嘗試多做一些想像和變化，讓文章也有文氣及韻律以及文字的美。

標點符號與作品標題的重要：

老師分享收稿最害怕的就是看到沒有標題或是標點符號的文章。標點符號是文字的表情，會帶來不同的語氣，一個好的文字工作者如何控制自己的文意不要變形，就是利用標點符號。因此我們必須去查明每個標點符號的用法與意義，避免錯用導致文章被錯誤解讀或顛覆的情形。回到標題，這是在看一篇文章時會最先接觸到的，是所有人在認識你的文章時的第一印象。尤其在網路盛行的年代，標題更是尤其被注意的，要先勾起讀者的興趣，才有被閱讀的可能。而其中要注意的是標題不能騙人，不然會造成文不對題的狀況。標題應該是整篇文章最想講的話，或是重點。另外，老師教的結構可能是反映我們的思考脈絡，將觀點放在最後一段，但現代讀者習慣在第一段就要看到結論，尤其文章刊登在網路上。當閱讀的體感與時間感，漸漸被改變，這也是寫作時可以用的技巧之一。

接著老師以評論人的十項專業守則入手，和學員們討論評論該如何寫？有哪些能做哪些不能？

評論人的十項專業守則中提到，劇場藝術是表演藝術中最互動的一種形式。評論人和觀眾、表演者共享同一時間和空間、接收相同的個人和集體刺激、一同體驗即時和長期的感受。身為評論人，我們以各種方式試圖表達這些互動，這份表達是討論的基礎，也是劇場詮釋和意義的重要一環。因此，國際劇評人協會敦促全球會員以這份文件中明確的專樂守則作為共同的起點。

其中的第五條提到：評論人應把刺激公共討論視為發表評論的目標之。這不應該是一個很武斷的，你的觀點一定有人不同意，但不需太過介意此事，不同的看法正刺激了公共討論，這才是有意義的。做評論的人要有這種觀點，你堅持自身的觀點，也知道自身的觀點建立在什麼邏輯上如何回扣到劇本，當被挑戰時不要太介意而是以開放的態度去看待與討論。最可怕的是沒人討論、沒人在乎。

各項要點，分別提醒我們，要以最有益於劇場的方式寫作、面對新的想法、形式、風格和實踐持開放態度。發表意見的同時要尊重藝術家，且應以開明態度，揭示自己的立場，無論是藝術或個人方面，這也是構成評論的一部分，形成一個評論人書寫的脈絡。並如前面談到的，以實例來支持他們自己的論點。此外，應避免外部壓力和控制，尤其是個人恩惠和財務引誘，以及應避免涉入利益衝突。

美英老師在此提問：若是同校的老師學生寫自己學校的製作呢？

家齊老師回應：不會刊登，因為可能牽涉到除了評論以外的師生或同事之間的利益。

可以寫完評論後在可以在以十大準則重新檢視自己的文章，看是否有相抵觸的部分

最後老師分享伯牙和鍾子期的故事，來形容藝術家與藝評人之間，相互理解惺惺相惜的關係。

在今天的課程中，老師以四個要素，介紹劇評寫作最基礎的結構，並以總編輯的角度，提醒寫作時容易忽略卻很重要的細節及寫作技巧，最後以評論人的十項專業守則，帶領學員重新檢視，劇評寫作如何寫？為何存在？以及該注意的要點等等。課程不只是強調寫作，更是希望培養大家觀賞演出的思考習慣以及能力，是作為評論人不可或缺的一部分。

〈2025「藝起有力」表演藝術評論培力工作坊課程紀錄：看戲聊聊Bar–總編帶你瞎趴/PAR一下（講者：黎家齊）〉這篇文章最早發佈於《葫蘆樂園：劇場發聲報》。

2025年11月8號「藝起有力」表演藝術評論人培力計畫的「好好學」講堂來到第四場，於下午14：00～16：00在臺南文化中心第三藝廊會議室舉行。這一場次請到了兩廳院統籌編輯組《PAR表演藝術》總編輯黎家齊老師，以「看戲聊聊Bar–總編帶你瞎趴/PAR一下」為題，邀請學員們於課前挑選一篇《PAR表演藝術》上的評論文章，在課堂上一起來研讀，並以此為基底，開啟對於劇評如何讀？如何寫？的討論，以及培養如何欣賞與思考演出的習慣。

一、〈《日落大道》中的聲音裂縫：莎拉．布萊曼的「解構式聲響實驗」〉

老師請一位同學幫忙朗讀評論讀出來，因為聽的時候會讓印象更深刻，聽完後，請選擇這篇文章的學員回答這篇劇評好在哪裡？如果你是編輯會給什麼樣的建議？

學員回答：閱讀時狀態以演員本身做出發點，很有趣，因為角色的關係，所以以此做討論。第二題，看其他篇評論都會介紹作品基本資訊，但這篇直接切入想談論的主題，若先點出故事內容在進行論述，會更突顯其中的對比和層次。

如果讀者沒有看過這齣戲，就直接讀這篇評論，其實難體會作者提出的觀點。這個評論講述一件殘忍的事，三十年前美聲貌美的演員，飾演執迷過往深陷妄想的過氣女明星，但現在年過六十的演員反而適合詮釋。

接下來，老師提問學員們，覺得整篇評論讀完覺得是正評還是負評？

A：一開始是負面批評後面則想要挽回

B：剛開始讀覺得是負評，但對演員身體狀況的轉變成為伏筆，反而現在狀態才適合呈現這個角色

C：整體來說是正評的感覺

D：分析完只是去陳述整體狀態沒有特別正面或負面的評價

E：完全的負評，甚至創造一個名詞來打圓場，一個全本音樂劇演出的評論將所有論述都集中在演員上，似乎表達演出不符合自身期待。

F：沒有特別正面或負面，而是針對提出的觀點去做討論。

G：負面的，標題為「解構式聲響實驗」，當今天是在戲劇院演出的作品，卻用「實驗」來詮釋，回到最根本來看，好像指無法把演出視為一個完整的作品。

一篇評論大家的看法都不一樣。音樂劇的評論不好寫，尤其面對「百老匯」這個頭銜，從寫作的邏輯來談，剛剛同學說作者是先設定一個觀點再來討論，其實不然，作者一開始先敘述作品的起源，與這次三十年後的再演，並提到當時錄音聲音甜美輕柔，採音樂歌劇唱法。但作者看到演員「未試圖重現過往聲音的榮光」，並提到「或許出自生理條件的限制」。接下來針對演唱提出負面評價，並舉出例子來比較。第二段的結尾則以演員的呈現是為了演譯角色的狀態作結，到這裡文章的論點已經呼之欲出，其中不只音樂，也談論演員的肢體，並作出正面的評價。以「難以憑藉傳統音樂劇美學角度，無疑帶來爭議性表現」做出負評。但作者將其稱為「解構式唱法」，以戲劇語言形容演員狀態不如從前，卻也正好和劇中角色的相互呼應。其實總體來說這篇評論算是正評，以「解構式聲響實驗」來形容主角狀態貼近劇中角色，打破一般人對於百老匯音樂劇欣賞的界線。

在此老師也回應同學提出的，對於讀者可能沒看過演出不了解故事，開頭可以先大致說明劇情脈絡，再來想以角色著手必須介紹角色，再切入舉例說明演員的聲音及肢體表現，最後切入觀點。

讀完評論後，老師請大家去思考這樣的寫法如何？

美英老師回應：在看的時候覺得這個評論人是狡詐的，找到一個好聽的詞彙來包裝演員的表現，厲害且聰明。

家齊老師則提醒，評論人要做的就是勇敢的站出來，並說出實話。這篇其實也有講出「也許是生理的關係」，只是不願意寫得太過殘忍尖銳，因此較委婉。閱讀完這篇評論，我們從討論中得出三個要點：評論需要有大致介紹演出內容的部分；評論人不能吊書袋，且要勇於表達自己的觀點，不然一篇有好觀點的文章也可能在迂迴的敘述中迷失。另外，我們在評論時會以角色稱之，評論的對象是角色，不以演員本身的條件來評價而是以角色作為切入點。

美英老師也提出，評論人可以看到作品的各種面向，因此也應該站在不同角度去檢視，才能找到更屬於自己獨特的觀點去拆解作品。

二、〈風味記：複雜的味道和情感，平淡的敍事和展現〉

學員回答：整篇文章用詞，譬喻精確，關於演出的介紹及內容敘述完整。架構像是老師的範本一般。而結尾以一句話作結，似乎太過簡短，卻少最後的昇華。

覺得是正評還是負評？

A：有點分辨不出來，但結語指出演出形式和母題的叩問沒有深刻連結，讓人感覺較靠近負評，然前面又大篇幅肯定創作概念，讓文章整體給人較中性的感覺。

B：負評。最後結尾提出負面評價。

C：正評。從前面描述演出過程給予的反思，推測作者應是喜歡這個演出，因為有所收穫，但有些地方沒有被滿足。

D：結尾讓人覺得是負評，因為寫出演出的可惜之處

E：各有好評與負評。有稱讚做得好的地方與點出不足的部分。

F：一半好評一半負評。因為兩者文章皆有論述。

G：偏負評多一點。

這裡有一個問題值得我們思考：評論人所想的有沒有清楚傳達給讀者？其實這篇文章是大負評，但作者的寫作方式卻讓人覺得是正評。第一段講演出的背景，第二、三段是對於演出的描述，且看起來是正評，一直到第四段。最後兩段才是負評。在讀文章時必須讀到最後一段，通常是作者最想說的話。而為何有些人讀完會覺得是正評？這篇評論的結構是很好的，但因為前面花了兩三段的篇幅來敘述作者認為演出好的地方。在此老師建議，前面三段正向的描述若融合成一段，在比例上更能突顯評論人真正想論述的觀點。另外，最後一段可以提出這齣戲存在於現代社會的必要性與連結。

以下兩篇文章皆為同一個演出的評論因此放在一起並列討論。

三、〈赤裸的愛：反思《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》中的倫理和親情〉

學員回應：作品內容描述清楚，整體性明確。書寫方式也一直圍繞在想討論的主題上。讓人會想更深入瞭解文章內容。但最後兩句可以以更委婉的方式書寫，且似乎不是這次評論的核心，放在結尾有點失焦的感覺。有些結論下得太快，在自身的感受創作者的表達之間應該更明確區分及說明。

老師先針對同學提出的建議回答，認為不需要刻意去區分。「我認為」、「我感覺」這類詞彙其實在文章中都可以省略，因為知道作者是「你」，所以內容描述的是「你」的感受。因此在讀文章時就能清楚區分這是作者的感覺而自身可能沒有。且「感覺」一詞反而會削減評論的力道。

再來回到文章中，這篇文章也跟老師的結構相似，前面平鋪直述的描述演出內容，清楚明瞭。接下來一路描寫作品好的部分，最後提出自身的觀點及演出跟當代社會的連結。結尾談論演出票房的部分其實沒有不行，因為評論也是記錄。然而既然是評論就應該提出作品可以改進的地方，或是質疑，也是這篇評論較大的問題。

四、〈是作品，也是人生：《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》打開「家」的可能〉

學員回答：以第二段作為評論的骨幹，並以此發展其他論述。然，用詞太追求漂亮的感覺，因此有些好像不必要的贅詞，或是意思表達不夠清楚的詞句。

在場所有同學都認為這篇文章是正評。

這一篇交代較多背景，並把對作品的描述及自身觀點揉合在一起書寫，所以在一開始閱讀時可能還是無法對作品的內容有太多瞭解，如同同學指出，文章的基調是第二段的開頭，接下來的內容皆是依此論述。如同上一篇文章，這篇也是通篇的正評。回到剛剛同學提出用詞不夠精確的部分，描寫的確需要清楚的讓讀者瞭解。老師不否認這樣的書寫方式，認為作者設定的讀者可能是看過這齣戲的觀眾，這位作者的文字是優美的，而另一篇則是清楚明瞭。對兩篇唯一可惜的就是皆沒有提出作品應該可以改進的地方。

在此，有同學提問，認為演出中重要的段落沒有在評論裡被提出，似乎模糊了演出的某些部分，這在評論書寫中該如何拿捏呢？

家齊老師回應：兩篇都被作品中提出的議題衝擊，所以沒有把書寫重點放在劇場的描寫或形式。但每個評論人都會有不同的觀點，如果有人認為形式重要可能就會以此為核心書寫，這是選擇的問題。沒有一篇評論能寫得很全面，就是每個人採取的觀點不同。

而當有同學提到，在兩篇評論中看到對演出標題有不同的解讀，老師則回應，評論人不是公正的，也不可能看到全部，一個人看到的戲跟寫出的評論都是跟自身曾經的生命經驗與學養、修養有關，因此會產生不同解讀。因此剛剛討論的過程重點不是放在評論的結論與觀點，而是兩者產生的過程——文章行文架構，邏輯是否通順，帶出作者的觀點。也是作為編輯最主要審視的部分。

在寫評之前閱讀他人的評論才會知道下筆時該如何書寫，這也是為什麼今天課程選擇以閱讀評論作為主軸。

接下來老師則帶大家進到關於評論書寫的重要問題討論。

為什麼要寫評論？

A：記錄，這些會如實反應這個社會底下大家在意或不在意，或是社會結構產生出什麼樣的問題會被放到作品或評論中去被討論。

B：希望能更瞭解如何欣賞一部作品

C：以創作的角度，分析自身喜歡的點或可以借鑑的部分，淘選出自身的喜好。

D：幫助觀眾瞭解作品，也幫助表演者反思，創新。

E：自身觀賞的記錄

F：記錄

G：自身的抒發與辯證。

劇評的意義為何？

書寫的原因很重要，劇評對每個人都有不同的意義，記錄一個戲當年是怎麼演的是評論中的描寫可以記錄的。不管是舞臺、服裝、或是燈光。也因此評論中的描寫很重要，不只描寫劇情，也描寫我們所看見的。除此之外，一個劇演出時受不受當時觀眾喜愛，當時觀眾的反應也帶出那個時代所關注的議題，如同三生三世的評論主題都擺在同志議題，反映當代臺灣觀點，這個地區，這個時間，這群人對於這些事的看法。劇評還有一點跟其他評論較不同的是，戲劇是藝術中跟人緊密結合的，劇場作品是無法被保存的，也是跟當代社會連結最深刻的，現代戲劇史很多也是由評論架構出來的。而劇評為什麼要發表在公開平台，其目的就是激發討論。

為什麼要讀？

可能是在看演出時不太懂，想瞭解劇評人的觀點與解讀，尋找認同或發現不同觀點。現在劇評越來越重要，很多戲開始會巡演或再演，成為觀眾是否買票的依據。

誰在看劇評？

想買票的觀眾、看過戲的觀眾、創作者等。因此劇評有很多寫法，有些人是寫給自己看的，自我辯證，在陳述自己觀點的同時，還是希望他有意義的存在這個世間；有些是寫給共同看過演出的觀眾，希望獲得共感，但不管是批評或稱讚都要有憑有據；有些則寫給沒看過演出的觀眾，或是創作者。這些寫法都不同，因此在書寫時要先清楚自己為何而寫，寫給誰看

在今天的課程中，老師帶我們以閱讀評論文章，借鑑他人的寫作手法與文章如何架講導入想討論的觀點，並以對於評論書寫核心的叩問，讓學員們有機會重新審視自己為何而寫？寫給誰看？希望自身評論帶有什麼樣的意義，更近一步釐清自己該如何下筆。

〈2025「藝起有力」表演藝術評論培力工作坊課程紀錄：看戲聊聊Bar–總編帶你瞎趴/PAR一下（講者：黎家齊）〉這篇文章最早發佈於《葫蘆樂園：劇場發聲報》。

接續上一場講座，老師首先回答還沒有被討論的同學的提問。

閱讀文章：〈政治——現實：臺灣歌仔戲的正典化《1624》〉

提問1：如何維持評論人主體性，並留予作品可能空間，與作品進行對話？評論人如何在自我和作品價值之間，尋求第三條道路？

這個問題想問的是自己透過評論寫作所表達出的是否值得被閱讀、了解及接受。這是一個在寫作過程中會持續追尋的問題，還是會勸大家不要自我懷疑，當下寫下的是一個紀錄但不是永恆不變的，等到成熟後可能才較能安然於這樣的狀態。有這樣的質疑其實正常，就放在心裡，可以過一段時間再回去看當初自己對作品的評價，透過這樣反覆的推敲，才能較清楚當下做下的評斷是基於什麼樣的條件。在寫到一個程度後，就會更能安然接受自身的不完美，或許現在會有很多的懷疑，但對自己不要太嚴苛，多年後回去看一定會覺得不成熟不滿意。所有評論只是當下個人做的評價，只要知道自己從什麼角度觀看，怎麼去批評，如何將其帶進書寫中，讓讀者能認有認知。面對的方式並不是二選一，或左右通吃的第三條路線。而是走在一條屬於自己的道路上， 和相遇的那些產生對話，例如觀賞一個作品並和其產生心理與情感交流，劇評提供給讀者也是這樣的一種經驗。如果有什麼可以打動自己，或一些靈光一現的片刻，就珍惜那些時刻。

提問2：評論中所書寫的標的明顯意在戲曲的潛功能，也就是作為政府宣傳工具。但若劇場是一個追求改變的場域，我們要如何面對臺灣高度分裂的現況，並以傳統戲曲作為回應而純粹無收編之虞？

文章內容其實有類似表達，在強調多元開放的同時又獨尊特定史觀、與藝術形式、選擇。但由於這個演出是單一個案，以此反映普遍生態樣貌，可能會造成過度解讀。這樣類型、規模的演出是一次性的，不會帶來太大的影響。尤其現在社會容易陷入一窩蜂現象。熱潮過了就回歸正常，就是存在的現實，一個事件獨立去看可能有大影響，但放在時間一拉長發現其實不這麼嚴重。就算放在線上播但五年十年後大家怎麼去看這個演出？這些都需要拉長時間去看去觀察，才可以得到較持平的評價，然而劇評又有即時性，因此當下可能無法考慮周全。我們站在一個特別的位置去看劇場，不同於劇場中的其他位置，我們的論述不會沒有價值，也不會因做出的評價影響到自己，登出來就表示願意為自己的文字負責，且意識到自己可能有的缺陷或問題，而讀者也要有這樣的體認，就像看完演出不滿意也無法要求創作者負責。

在回答完所有學員的提問後，老師以劇評文章為實例，透過拆解其中的文章結構，帶領學員理解構成評論文章的思考脈絡，以及提點寫作上需要注意的事項及可以應用的技巧。

〈無法逃離的修羅場《上樑_下工後的修羅場》〉

這篇文章的第四段，解釋了美國當代寫實劇作，此說明的必要性在於支撐之後的論述，因為接下來要討論的主要問題便是基於寫實主義的風格，這樣的類型會有什麼問題及特色。整個演出戲劇動作、邏輯清楚。對於兩人階級差異被突顯，角色衝突涇渭分明，不會改變的社會結構等論述，說明作品意識形態的基礎，形成能作為之後對其提出批評的實例，也就是先畫靶再射箭。除了對創作意識與主題的批判，對專業表現也需給予一定的評價。在描寫對演員的讚賞時，為避免流於情緒性的敘事，必須要將演員表現連結到角色的呈現上，稍微說明角色應該長什麼樣子。這段除了評價演員的表現外，也呼應並再次突顯作品主題。第五段就以第四段為基礎，對比兩個角色在劇中遭遇，如何呼應作品主題的陳述。重點在於整個演出節奏合理且清楚明確的動作，乾淨俐落。然現實不可能如此，因此以現實的坑坑疤疤去做對比，對應劇中平順流暢，這種對比就是主要問題之所在，如果劇中呈現放到其想去討論的社會現實之下會有哪些問題。另外，正熙老師也提到書寫的字詞選擇是無法教的，可以先參考他人如何書寫表達，並在不斷實踐寫作的過程中慢慢琢磨出來自己怎麼去描述想說的內容。最後結論提出，自由主義批判意識的問題，呼應標題提到的修羅場。

透過這篇文章想提醒大家，我們對一個作品的評論或批判會點到為止，如果繼續追究可能會碰觸到體制的問題，另外，戲劇評論不是單純社會批評或文化評論，是專業領域評論且與劇團創作有關。考慮到這是一個年輕導演與兩位成熟演員跨刀的作品，當一位年輕導演有扎實的專業的學術訓練，並利用這個作品把他在專業訓練上所獲的知識與能力，做一個不錯的展現，應給予肯定和支持，但絕對不是只停留在這，而是要提出反思與批判。

除此之外，在拿捏批評寫作的力道時，可以練習先把所有優缺點分別列出，再看如何組合成不會太具攻擊性且有說服力的文章。關於個人情感的部分老師通常習慣放在最後結論，稍微表達情緒情感，最後以較感性柔軟的表達作結，讓論點更能被接受。

〈月光真的一樣嗎？ 評《人間條件四— 一樣的月光》〉

這篇文章開頭的前兩段首先解釋國民戲劇系列的製作背景，除了和人間條件系列演出相連貫外，也透過介紹創作者的脈絡，建立敘事線。這樣的寫作方法可以用於，討論明確風格導演時，在開頭讓讀者有一定的了解。要了解人間條件系列就必須了解什麼是「國民戲劇」，要了解國民戲劇前就必須對吳念真導演有所認識，讓敘事層層遞進到核心，在這個基礎上才能討論「國民戲劇」的問題。其中，這個作品本身就形成一個正對比，因此文章第四段也用對比的方式描述老師對國民戲劇的想法。

角色是演出中是很核心的部分，因此第五段以整理兩個角色強烈的對比，並從這裡去討論整理兩個角色的戲劇動作，一步步回應前面提的敘述。在此，老師也提示我們可以善用創作的標題，來幫助自己的論述。劇本主旨其實是要在變動的社會中突顯不變的價值，此系列的人物典型裡都有這種特質，呼應到前面導演做戲的初衷是為了讓那時代的美好記憶可以複製到現代劇場當中。文章的第八、九段開始進到專業領域的內容做評價。以這個作品再重演中間隔了十六年的時間為切入點，不是只追究演員的狀態，指出改變的部分，也連結到下一段，當時創作劇本依據黑白分明的對比，在過去傳統還未完全消失時或許還能成立，然，十六年後演出卻顯現出作品已老，無法真正反映現代社會的改變，這些都是歲月流轉帶來必然的改變。

透過這篇文章，老師和我們分享評論裡自問自答。在上一堂課中，許多學員皆提到擔心評論書寫跟編導原來的構想、原意之間有差異，老師也曾碰到一個評論人為了避免，在寫評論之外更邀請創作者在Podcast節目中對談，以提問讓創作者解釋自身意圖。而這樣的對話也能讓它發生在自己的文章中，透過去想像作者或觀眾會怎麼去看這個演出，會對自己提出的意見有什麼回覆，並在文章中做回答。我們設定的劇評讀者多為看過演出的觀眾，面對他們我們如何回答或挑戰，提出想法或疑問，讓觀演後不只停留在直觀的想法感受而是能引起思考，尤其通俗劇場具有龐大的影響力，為閱讀評論的觀眾帶來不同的想像。這就是一個評論者能去做的。

〈關於「自由」的劇場遊戲，真的面對了「未知」？ 評聚思製造端《白兔紅兔》〉

在評論文章的一開始，改編作品通常會從源頭開始講起，原創作品則常以談論創作者或創作主題、作品本身開頭，討論還是多以最強烈、特別的點開始談起，中間都是一步步的鋪陳與組織，而前後每段之間的連結是寫作時需要去思考的，文章的最後要回到開頭去呼應一開始提出的想法。因此在文章的開頭，老師便以空間的描寫帶出演出的形式的特別。前面兩段解釋這個空間內可能會發生的事，接下來則討論到這部作品是在談論劇場當中的「自由」，因此以演出形式本身作為基礎，去看在這之中觀眾跟劇作家與表演者，三者間的關係與權威。另外所謂「自由」雖然是劇作家的思考，但也呼應到歐美國家對此政權的評價，其背後有個假設，這種對極權國家的想像是否真實，讓作品中談論的「自由」變得有所保留。

在評論中，我們需要去釐清創作者的目標，以及劇作家或創作團隊如何呈現，會有什麼效果，以此檢視這個企圖的實踐。此外我們也需要去討論原創者的背景、與作品的關係和背景，這些皆會影響我們對作品的評價。

正熙老師以評論為實例帶領學員們深度頗析寫作的策略以及論述的安排，讓評論寫作不在遙不可及，而是能透過資深評論人的現身說法，使得學員們在下筆書寫前，對於如何頗析作品、建立論述、架構文章，有更實際的想法及認識。

〈2025「藝起有力」表演藝術評論培力工作坊課程紀錄：大寫作時代—劇評實例分享（講者：陳正熙）〉這篇文章最早發佈於《葫蘆樂園：劇場發聲報》。

2025年11月1號「藝起有力」表演藝術評論人培力計畫的「好好學」講堂來到第三場，於下午13：00～15：30在臺南文化中心第三藝廊會議室舉行。這一場次請到了資深專業劇評人陳正熙老師，以「大寫作時代——劇評寫作起手式」為題，透過自身曾經書寫的評論文章，帶領學員領略劇評寫作的核心要點。而學員們也於課前自行閱讀一篇正熙老師的評論文章，從中提出寫作上的思考與提問。以一篇篇評論文章為基底，老師的分享與學員的提問交織出豐富的思辨現場，啟發學員從觀看到思考，構築一條屬於自身的評論路徑。

由於正熙老師已以講師的身分參與評論人工作坊多年，今年特別轉換課程形式，改以「閱讀、提問、回應」為核心：學員於課前閱讀老師過往發表的評論文章，並針對文本提出自身的疑問，藉此討論實際從事評論寫作時，可能面臨的真實問題。

     再此之前，老師首先提醒，學員提出的問題是這個當下看到這篇文章所產生的，但這些文章其實橫跨了多年，而老師的寫作也是立基於當下的。當然這個評價不會只存在當時，甚至會被當作史料的一部分，反應當下時代軌跡歷史條件，但也需謹記不要把評論當作恆久不變的標竿，因為一篇評論終究是一個評論者對演出的意見，於創作者來說也只是他接觸意見的一個管道。

首先，正熙老師提出要開始寫評論的一些重點：評論，就是我想知道自己為什麼喜歡為什麼不喜歡，也是寫評論跟一般觀眾差別。知道自己為何喜歡或不喜歡，在專業上有什麼值得討論的地方，優劣的比較，可以讓我們對社會或人性有更多的了解或認識。評論要做的是，離開直覺之後往更深的地方走。

其實要開始就是寫就對了，實際去做才能就具體的東西討論，有無別的寫法？能否從別的角度去切入？提出的問題是不是值得提的？或是跟編導原意有無落處？基本上就是這些問題，而這都要從實際的例子才能去看到。所以老師這次只精簡的指出了幾個關於評論必要的提點。

第一個是觀點的必要，也就是個人的意見，所以首先必須知道自己站在什麼樣的位子上。面對一個演出，我站在什麼樣的位子去看？用什麼角度去看？

以這次學員對〈台南四百，浮光掠影《內海城電波》〉一篇的提問為例，一個外地人跟一個本地人如何去看這個演出？這個演出是做給誰看？建城系列是希望大家一起來共襄盛舉？老師在文章的一開始便點出自己雖不是本地人，但與這個地方有點淵源的觀點。

回到學員的提問：面對以特定地方文史為背景的劇作，評論者採外地人視角和採在地人視角立論的關注點和書寫上，主要有哪些差異 ?第八段裡面老師提到說這個東西談到台南地名的饒舌、本地相關的文史遺蹟記憶，在地人都能很快的和自身生活經驗連結，但對外地人來說，可能就是下次來台南要去哪裡逛或到哪裡可以看到什麼，這就是有沒有真正和城市有生命及記憶連結的差異。不是真正外地人但有一定連結淵源的身分讓老師站在一個特別的位置上，因此大家在寫作時也要思考自己站在什麼位置看演出，這是非常重要的觀點的必要。

再來第二點，感情用事的必要，老師以〈一場不合時宜的旅行，你去嗎？《感傷旅行（kanshooryokoo）》〉一篇為例，說明在欣賞這部作品時，已經不是在想演出的好壞，或是專業上表演導演、編導、舞台、空間有哪些可以被提出來評論；而是想到曾經共通擁有創造的年輕的歲月，「青春」這件事。文章中，為了評論的專業也針對演出做了一些討論，並花了一些篇幅談演員表現，但整篇文章中感觸最深的是最後一段，以《牯嶺街殺人事件》和《一一》兩部作品中三個角色不同的台詞，來表達、宣洩自身在看完演出後的情感，以及對臺灣劇場感嘆。

第三點，思考的必要，老師以〈政治——現實：臺灣歌仔戲的正典化《1624》〉一篇為例，分享文章內，老師提出對於正典化作法是否恰當？以及台灣自詡多元開放，卻獨尊一個劇種，某種論調，是否違背我們自豪的精神的深刻思考。

第四點，脈絡化的必要。脈絡化不只是把不同時間做一個類比，用自己的觀賞經驗、生命經驗，把演出變成自己夠理解的。〈穿透黑暗的火花《噤。濤聲》 跨島計畫〉一篇中，為什麼最後一段引用韓劇《我們的藍調時光》，就是老師以自身觀賞經驗去理解演出。在演出中臺灣與濟州都曾有被威權統治的歷史相似處，「革命」聽起來偉大且充滿能量的爆發，但去追究其行動及思想背後有個簡單的理由就是想活得好，活得像個人一樣。同時老師也在此回應其中一位學員的提問，作為一個評論者在評論中能否有私人情感的流露？完全沒問題，因為寫作者是一個人，是有情感的。評論絕對不會客觀的，是一種主觀的評價。

這幾個必要便是老師認為在書寫評論可以先把握的幾個重點，接下來老師針對學員們的提問提出更詳細的回覆與討論。

閱讀文章：〈台南四百，浮光掠影《內海城電波》〉

提問1：一篇採外地人視角書寫，則就文中所述「對於製作團隊和在地觀眾來說，《內海城電波》並不只是一個平常的戲劇作品，更有城市行銷的政治意涵，和記憶保存的個人意義」，劇作之於在地人的意義，應如何確認為宜 ?

我們無法確定演出中關於台南的文史記憶、生活細節是否對於臺南人都能有共鳴，這是每個觀眾自己去決定感受的，只能盡量一般性的去討論，這是作為一個評論者必然有所侷限的地方。

閱讀文章：〈每撮塵土灑在身上都是光《安蒂岡妮在亞馬遜》〉

提問1：為什麼採用「並置」做法？在這裡輕巧地並置夏曼・藍波安的文字是否有簡化他們各自的抗爭脈絡、甚而誤導讀者同化其所對抗的脈絡之嫌？引用特定事件的寫法是否也會讓讀者被引導至單純關注「驅除惡靈運動」/「無地農民運動組織事件」兩個事件本身，反而無法更近一步思考其背後與國家權力抗衡的結構問題？又或者這樣做的用意正是想在這樣跨越文化的事件中，直指相同的「根本問題」——但如此做法是否是落下去脈絡的險棋？

文章中最後的結論提到，我們必須要去思考或想像另外一種生活方式或不同的可能性。這就是做類比的原因，當然也能去思考這兩個例子是否適合放在一起討論，並不是絕對的。劇中談論的亞馬遜叢林和無地農名運動都是非常大規模的，當老師在思考有什麼方式可以以自台灣人的脈絡去接近並理解時，他以參與運動者為原住民這點，找到心中比較接近的驅逐惡靈運動，因此做了這樣的連接，方便讀者去了解。而在做了這樣的連結後，老師認為該強調兩者共同指向的根本問題，雖然這樣的作法可能會有淡化兩個運動背後特殊的歷史背景與時代條件的危險，但老師更在乎的是背後共同指出的應該要去突破的思考限制，因此把兩個事件放在一起論述。

提問2：針對最後，老師似乎時常會採取一種「顧全大局」式的策略，會特地用一個段落左右的文字篇幅稱讚一些並不是整篇評論主要著力點的元素（比如這篇評論第二段的「編導、表演、視覺、音樂、影像的精彩表現，其實都無需評論」），使得這些不是主力內容的元素難免染上被草率帶過之色彩。好奇這樣書寫的目的。

不像報紙時期有1500字的字數限制，必須在有限的篇幅中去蕪存菁，刊載於網路上的評論沒有字數的限制，為了讓沒看過演出的觀眾能大致了解內容，因此還是會去描述演出的過程，希望告訴大家政治劇場也可以做的如此精彩。至於為什麼要脈絡化這個演出？其實有另外的考量，越來越多國際演出來到台灣，我們如何去看這些作品？他們自身的美學與政治思考，我們要如何放入自身的架構去理解？因此在書寫的外國演出，老師一定會想辦法讓它跟我們曾經有過的經驗做對照，不是比較好壞而是在連結自身的同時，擴展出對演出更多層次的理解。

閱讀文章：〈無法逃離的修羅場《上樑_下工後的修羅場》〉

提問1：文中提到「自由主義」，評論人是否需要進一步說明其意涵，或具體指出它與所評論文本／議題之間的關聯，使讀者能清楚理解評論觀點的立基點？

專有名詞需不需要解釋，就像創作者在排練編創的過程當中會做出一些選擇，這些選擇形成最後的結果，而我們最後只能看到結果，看不到選擇的過程。同理，在寫文章的時候，作者有自己的思路，基於自身擁有的知識作為論述的基礎，雖然不能確定讀者是否對此有一樣的認知與了解，在這種情況下老師傾向不去做更多的說明，因為這會導致行文的節奏被妨礙或破壞，除非需要引用出處，才加註去解釋。但一切還是以行文節奏為最優先的考量，如果讀者有疑慮會自己去查明。

閱讀文章：〈相互理解或挑戰彼此《夢與陰影》〉

提問1：文中有表示對老師而言不是連貫的、不完整的感官體驗。好奇,夢本身往往是不邏輯的、或者有時候情緒上會跳tone，是否有可能郭文泰老師本身故意這樣安排呢？

回想觀演當時，演出五分鐘後就因為技術問題被打斷，就像做夢夢到一半被打斷就回不去原本的夢境一樣，佈景太大使得變動時造成整個戲劇節奏的停滯，這是文章中的完整與連貫所指，並不是指敘事一定要有完整連結，或邏輯的連貫。

提問2：文中有有形容河床建構一個「中介」屬於他們特色的空間。但我查字典「中介」為兩者或兩者以上的意涵，對我來說有點無法與那段做連結，想詢問這個詞對老師來說是什麼樣的意涵？

中介指的是創造一個地方讓不同因素可以在這碰面彼此衝撞，用的概念是兩者之間。郭文泰是視覺出身，那舞台上的人體對他來說是視覺上的元素嗎？平常的創作素材是色彩、燈、物件，那如何可以把特技演員的身體視為視覺美學的一部分去做一些調整，這些特技演員表演本身和新馬戲的表演者沒有太大差異，只是演出空間不同，因此文章中才提出，演出沒有因為郭文泰的加入，而對原有的特技表演產生不同的想像，也沒有對空間限制衝撞帶來的突破，變成特技演員只是成為有標誌性的視覺設計中的元素，牽涉到表演者訓練過程中對於表演的自我意識。

閱讀文章：〈傷感之外，期待更深刻的創作思考《天亮前的愛情故事》〉

提問1：在第六段提到，此劇是因為受了翁鬧的短篇小說作品：〈夜明け前の戀物語〉（天亮前的戀愛故事）啟發，製作而成，但是原劇所感傷的，以當時而論是具有強烈現代主義色彩，也對當時的社會進行批判。但是如果時空對調，要如何在現代藉由兩人素食愛情下，將批判在劇中進行探討，或許就是此劇沒有處理好的地方。

文章一開頭便談了作品引用的小說，因為創作者提到以其為靈感來創作。而文章中對此演出的最大意見是：這件事有沒有必要被說？ 相較原作中日治時期的時空背景下，台灣人當時處於殖民者與被殖民者身分間，以及角色的少數民族身分，其中牽涉的族群與階級關係，為故事帶來不同層次的討論。但演出中並沒有特別的設定，讓單純談論愛情的故事變得單薄。

在此提問學員回覆：或許不一定劃上等號，因為只是受到啟發，想呈現的意涵也不盡相同，如果不對外供稱靈感來源於這部小說，是不是就不會被跟原作放在一起比較、檢視？

美英老師則回應：既然創作者提出就不能被忽略。

這個問題讓老師重新思考或許不應該寫這篇評論，到最後小說和演出似乎互不相干，使得「受啟發」這件事變得詭譎。原作中的現代主義色彩濃烈且處理族群間身分階級的問題，但創作者卻沒有選擇去觸碰，提出受到啟發的目的為何？用這樣的方式去檢視演出或許對創作者不公平，然而既然提出了，便會被視為必然考量的因素之一。

對此，另一位同學提問：若是遇到此問題，是否需要和創作者確認釐清？

正熙老師回應，不需要確認，如前所述，創作過程是無法被評論的，只能看最後的結果，因此評論人只要清楚意識到自己站在什麼樣立場上，不用擔心誤解創作者，因為評論就是主觀評價不需要為所謂的客觀負責

美英老師則回應，因為創作者公開說受啟發，所以不論受到何種啟發就會因此需要被檢視，就像評論人要為自己的文字負責，創作者當然也是。總結剛剛的討論，對於正熙老師說可能不該寫這篇，是因為同學提問帶來的思考，以及對年輕創作者的支持，但不代表這篇文章當時是不成立的；再來，我們不需要跟創作者去確認什麼，因為當作品呈現時，觀眾便無法確認，評論人作為觀眾之一，只是有書寫的動力與能力。

閱讀文章：〈散與不散，猶原佇遮咧等待未來——《散戲》〉

提問1：在評論中，正熙老師有提到認為舞台版的散戲太「悲喜交加、通俗討喜」，因此缺乏原文散戲的餘韻與深度。但是通俗化是否必然代表「淺薄」？或許說明華園這種表達形式對普羅觀眾而言，可能更能傳達「時代與情感的糾結」。明華園本身的定位是「『魔幻絢麗的東方音樂劇場』，在傳承傳統歌仔戲的基礎上，致力於創新與轉型，將本土戲劇推向國際舞台。」，用喜劇元素吸引觀眾，本就是延續傳統生命的一種方式。所以是否這樣的表達就是不大恰當的又或者不太合適的呢？

老師同意學員所說，通俗不等於淺薄，通俗受歡迎的原因就是訴諸一般人的情感，但作為一個評論人不能滿足於此，要再去追究為何會這樣想，對明華園來說面對的是普羅大眾，魔幻旋麗的效果宣示性的，難有實質意涵。這是劇團的自我定位，但不會作為評斷的基礎。其中的標準為何？便是原文本的特色及核心精神。也是為什麼當我們面對重新創作或改編的作品需要，回頭去看原作。

提問2：在評論中對於舞台改編的評價大多圍繞小說的精神，但舞台的表現是綜合藝術（會有音樂、表演、燈光、節奏、觀眾互動各個領域綜合起來的化學反應才會成為一齣舞台劇），是不是不該被單一文本框架所侷限？是否忽略了劇場語言本身的創造力？

在文字閱讀上有很多視覺因素需要我們透過想像建立，舞臺視覺把想像具體呈現，但癥結還是在於前面提到的散戲文本的核心，歌仔戲正典化的時代氛圍中，明華園以其天團地位來演出談論歌仔戲的沒落衰退的文本，看起來有點不合時宜。因此不是侷限而是文本核心精神被抹滅。

閱讀文章：〈能不能紙醉金迷，歌舞就好？——《勸世三姊妹》後，再想社會光景〉

提問1：文中提出相當多的提問，對於看過劇的人來說，很好的讓人再重新思考，請問老師在書寫的時候，是否會先假定閱讀文章的人已經看過此劇？

在書寫過程中要去做一些揀選，因為劇本身情節轉折是作品成立的重要關鍵，所以會花一些篇幅去討論釐清，讓看過演出的人能去對照，沒看過的讀者則多少能從描述去了解。

提問2：老師在文章中提到「無力感，不是因為演出本身，而是演出所映照出來的當代舞台／社會光景。」以及「劇中的：『車可以等，幸福不能等』，是對這個時代的一個註解」，想詢問老師更多對於這個這個時代的想法

為什麼這個時代會比較喜歡歌舞劇或音樂劇，除了多取材於日常與情感的類型，融合這個時代大家所關注的外，還選擇一個較通俗討喜的表現形式。然而這卻使得劇場太輕鬆了，看完演出不會開始對人生產生懷疑，且可能忽略掉需要直面的問題。

閱讀文章：〈令人不安的「好看的戲」——《Q&A首部曲》〉

提問1：老師此篇的行文犀利，架構也不同於其他幾篇，想問是因為對話對象的不同，或是有什麼因素導致？

結構性的東西沒有一個固定的原則，其實是要去看每個作品不同的性質來思考，每一篇各有不同。

閱讀文章：〈冰涼呼吸，仔細言語——如何看待《呼吸》？〉

提問1：此篇讀起來十分流暢，正熙老師提到關於去脈絡化的疑慮，而針對於台灣該怎麼去看這樣的議題，但在讀回應時，並沒有深刻的感受到對於翻譯文本的再詮釋以及台灣版的《呼吸》需要呈現的在地化議題如何做呼應？很好奇老師在書寫時為何想要提出這樣的觀點？

不只是這個版本的在地化，地球滅亡和生活行為有直接的關係，也是文章中的提問所在。其中去脈絡化，指的是演出在歐美脈絡下反映的是左右、進步自由和保守之間的對立，但台灣沒有這樣的背景，顯得當中的討論限於私人情感。

提問2：老師在這邊寫道「至於那些我們無法理解、無法理解我們的人⋯⋯」似乎是帶了些伏筆與嘆氣，在寫評論時的書寫是否要更明確與直接？或是明確的情感文字表達？

不一定是伏筆，而是寫到這就夠了。就像留一個問號，不知道如何去面對這些人，如果雙方無法互相理解就不說了吧，不是要試圖去改變對方。評論最後是否一定要有結論？多少會有，但不一定是圓滿的、完整的，最終的答案，至少在當下表達了一種期待或希望。

正熙老師從四個要點的介紹，帶領學員認識評論寫作的起手式，而透過閱讀評論，學員得以了解四個要點如何被運用在寫作中，並從自身為出發點，提出對於評論寫作的問題。而老師不僅在回覆過程中，分享評論寫作的技巧，也讓我們得以從老師的行文中，了解老師在欣賞、評論一部作品時所注重的核心價值。

〈2025「藝起有力」表演藝術評論培力工作坊課程紀錄：大寫作時代—劇評寫作起手式（講者：陳正熙）〉這篇文章最早發佈於《葫蘆樂園：劇場發聲報》。

由「那個劇團」主辦、國藝會贊助的「2025表演藝術評論人工作坊」，於2025年10月26日（星期日）下午1：30至16：30在臺南文化中心第三藝廊會議室舉行。本場講座邀請樊香君擔任講師，以「當代舞蹈評論書寫」為題，結合自身舞蹈構作經驗，帶領學員從不同視角討論評論方法。

課程開始前，香君講師邀請學員自我介紹並舉手互動，了解彼此是否曾參與過評論人工作坊或線上課程，藉此掌握學員背景，她鼓勵大家以開放心態參與，不必被「專業評論」的權威或形式綁住，強調此次將從「經驗與身體」出發，探索舞蹈評論的實踐方法。

★不同身分的轉換

講師首先回顧了自己從舞者、研究者到構作的轉變。她早期長期投入舞蹈創作與表演，2014年後開始嘗試舞蹈評論與研究，逐漸以文字介入舞蹈實踐。近年來，她更深入參與構作工作，思考評論如何不僅存在於劇場外部，而能進入創作現場。她指出，構作兼具觀察與參與的角色，既是第一位觀眾，也是創作者的對話者。這樣的經驗讓她意識到，評論不只是發表意見，而是透過提問與回應陪伴作品生成，也因此選擇以「實踐」為題，與學員分享評論的方法與態度。

談及舞蹈評論的關鍵時，她特別強調「身體經驗」的重要。觀看舞蹈時的感覺與反應，是評論思考的起點；評論者的任務不只是描述舞台上發生的事情，而是記錄觀演過程中自己如何被作品影響。這樣的體感經驗，往往比理性分析更能揭示作品的核心。因此，她也強調實作練習的重要性，讓學員學習如何在觀賞中捕捉節奏、重複、力度與時間感等元素。評論的目標不在於找到標準答案，而在於培養敏銳的觀察力與描述能力，使文字成為一種延伸的觀看。本次課程主要分為三個部分：首先介紹舞蹈的歷史脈絡與美學基礎，其次說明舞蹈評論的書寫概念，最後則是案例討論與提問。

★主題一：舞蹈是什麼，何時發生

課堂以「觀看舞蹈時，我們究竟在看什麼？」作為開場，說明不同作品可能強調動作、結構或與舞台元素的關係。講師指出，評論人需辨識創作者試圖突顯的核心，並從作品的形式與觀念入手。

一位學員分享自身觀看現代舞的經驗，提到初期常感到難以理解，但隨著觀演次數增加，逐漸能感受到節奏與意圖。她進一步詢問「重視肢體」的具體意涵。講師回應，這樣的感受可視為身體的共鳴，是進入評論書寫的重要起點，並鼓勵學員回溯自身觀看時的感受與觀察，嘗試分析那些印象深刻的動作如何構成。

討論中，學員以作品《斷章》為例，提到其中大量的動作重複卻能產生節奏感與牽引力。講師指出，「重複」是舞蹈評論中的重要觀察面向，應關注其出現的方式、速度、時間感與張力差異；同樣是重複，不同的節奏與幅度會造成完全不同的感知效果。她提醒，評論不僅是觀看，還需透過記錄建立觀察的基礎。文字筆記、圖像記憶或身體感受的回想，皆能成為分析的重要素材。當無法完全記住細節時，可從作品的結構與節奏入手，尋找其內在邏輯。

另外，也談到觀看與記憶之間的距離，指出評論人在書寫時面臨的首要挑戰是「現場感」的再現。觀演當下的感受往往難以在回顧時完全重現。錄影資料雖可作為參考，但也容易失去現場的氛圍與能量。因此，評論的重點不在於精準復原，而是透過分析與描述，重建觀演當下的思考與情感軌跡。

她鼓勵學員思考評論書寫的對象與立場。當評論人以不同視角回應作品，可能與創作者產生落差或誤解，但這些差異是評論對話的一部分。評論的目的不是「還原事實」，而是提出觀點、延伸討論，使作品被放入更廣的文化與美學脈絡中。

★主題二：舞蹈的定義、文化脈絡與美學關聯

課程第二部分從「什麼是舞蹈、舞蹈何時發生」出發，將舞蹈放入文化與社會建構的脈絡中討論。講師指出，姿態、動作與行為在不同時代與風格中代表的價值各異，評論者應放下固定的審美標準，轉而關注作品所體現的文化與社會意義。

從歷史發展來看，課程以歐美現代舞的脈絡為主軸，並輔以臺灣的回應與轉化。現代舞由女性藝術家發起的「新身體運動」為起點，主張「動作本身即為藝術主題」，強調身體的自主性與藝術的獨立性。如Martha Graham的「收縮與放鬆」揭示身體深層的情感結構，Mary Wigman則以外放的身體對抗芭蕾的優雅形式，推動了「身體即思想」的觀念。

後現代舞進一步反思現代舞的體制化，提出以日常動作、物理性與中性態度取代戲劇化的表現，強調「人人皆可跳舞」與舞蹈的事件性。接觸即興則回到重力、支撐與槓桿關係，融入現象學與禪學的思維，使動作成為中性存在，讓觀眾自行生成意義。

在臺灣的脈絡中，講師指出兩條主要思考方向：其一是雲門舞集等團體對「我們的現代性與身體」的長期探索；其二是近年當代舞作對教育體制與國族身體的反思與批評。她提醒，「台灣人身體」不應成為僵化的政治符號，而應從實踐中理解身體的多元表現。講師補充，舞蹈劇場（如碧娜．鮑許作品）常以疏離與重複探討戰爭、權力與暴力等社會議題，促使觀眾反思觀看行為；而舞踏則將身體視為承載他人生命經驗的載體。她總結，舞蹈中的身體是一種「晃動意義」的運動，其目的在於攪動邊界、生成新的意義。

★主題三：案例討論

課程後半以學員分組討論為主，針對多位編舞者的作品進行評論練習，重點在於觀察、描述與觀點形成之間的關係。講師透過學員的發表，歸納評論中常見的問題與思考方向。

第一組討論的是楊乃璇的《漚少年》認為評論文字畫面感強、描述清晰，即使未看過作品也能掌握演出過程。然而也質疑，這些評論是否僅重現了宣傳中設定的「中年危機」主題，小組進一步討論，觀者是否必須具備創作者脈絡或先備知識（如對創作者身體狀態的理解）才能進入作品。講師回應，評論者擁有詮釋自由，應依據當下感受進行分析與書寫。

第二組討論田曉慈的《好像不可以》作品之評論，其中一篇被認為過於理論化、抽象，難以理解舞作內容；相較之下，包含細節描寫與場景重現的評論更易傳達作品特徵。講師指出，理論能協助分析，但評論的基礎仍是具體描述，評論者若能以實際場景舉例支撐觀點，文章將更具開展性與說服力。

第三組討論的是TAI身體劇場《深林》作品，此組比較了兩篇兩篇風格迥異評論，一篇語氣中性，多為轉述導演觀點；另一篇則明確揭露評論立場（例如承認對原住民宗教不熟悉），並聚焦於作品對原住民文化的呈現是否需追求「純粹性」，以及觀者的文化聯想是否有效，講師認為評論者之間針對文化詮釋的回應與對話具有價值，誠實呈現觀看位置有助於建立信任。 

第四組討論周寬柔的《Free Touch》，該作品探討觸碰的界限與身體的公共性，且呼應Me Too事件，學員認為評論文字清晰，但被認為未能深入探討其道德與社會意涵，小組提出「評論是否會超譯」的問題。講師回應，評論不求唯一正確答案，評論者可依直覺形成觀點，但需以具體描寫與脈絡支撐，使論述具合理性與開放性。

★結論

課程最後，講師指出評論書寫並沒有固定的模板，而應依作品特質、評論目的與讀者對象進行調整。評論的重點在於如何透過清楚的描述與分析，使觀點能被理解與回應，進而建立評論與作品之間的對話。她提到，舞蹈評論的核心在於捕捉觀看時的感受，分析動作的結構與節奏，並與作品所處的歷史與文化脈絡對話，最終以文字延伸對作品的思考與理解。

同時也強調，評論者應依據作品特質選擇恰當的詞彙，例如「肉身」、「姿態」或「肢體」，以反映不同的觀看角度與分析層次。寫作風格則可隨作品性質而調整，或與作品保持親近，或採取疏離的觀察。她總結道，評論的目的並非評價或裁定，而是開啟對話，讓文字成為延續思考的場域，使評論成為持續理解作品與思考藝術的一種實踐。

〈2025「藝起有力」表演藝術評論培力工作坊課程紀錄：當代舞蹈評論書寫（講師：樊香君）〉這篇文章最早發佈於《葫蘆樂園：劇場發聲報》。